Le poids lourd du vintage a du dynamisme pour une raison. Cela a toujours été absolument cool et le sera probablement toujours – il n’y a rien de tel que le théâtre d’une bonne trouvaille. Quelqu’un raconte avoir déniché une chaise lors d’une vente aux enchères régionale, un buffet récupéré dans le garage d’une grand-mère ou une table récupérée lors d’un nettoyage en bordure de rue et restaurée dans sa splendeur d’antan. À juste titre, il mérite d’être affiché. Cependant, vient souvent la phrase qui arrive avec autant de fierté que de provocation : c’est vintage. Au grand désarroi de la plupart des gens, c’est une expression qui signale la rareté, la provenance et, surtout, que ce n’est pas quelque chose que vous pouvez simplement ajouter au panier.
Pourtant, dans un paysage du design où « antique » et « vintage » sont souvent utilisés de manière interchangeable – et, honnêtement, parfois paresseusement – la distinction est plus importante que jamais. Selon les concessionnaires et les designers, comprendre où finit l’un et où commence l’autre n’est pas une question de sémantique mais une question de valeur, de contexte et de longévité. Par curiosité, nous nous sommes tournés vers les experts renommés Bronte Taton de Cleo Collects et Jeremy Bowker de The Vault pour parler de tout ce qui est vintage – et antique.
Le vintage a peut-être été confondu ces dernières années, les gens s’accrochant à la paille – appliquant le terme à rien avec même un léger soupçon de dégénérescence. Cependant, « de manière générale, le vintage fait référence à des objets et des meubles qui ont entre 20 et 100 ans. Ils sont suffisamment vieux pour appartenir à un moment de design distinct, mais pas assez vieux pour être classés comme antiques », explique Bronte Taton.
« En pratique, cependant, le vintage concerne moins une plage de dates rigide qu’une intention de conception et un contexte. Chez Cleo Collects, nous pensons au vintage comme à des objets qui reflètent clairement la pensée de leur époque. Une table basse brutaliste des années 1960, par exemple, raconte une histoire de reconstruction d’après-guerre, de rareté des matériaux et de retour à un design intentionnel et fonctionnel », partage Taton. « Ces pièces n’ont pas été faites pour être précieuses comme l’étaient de nombreux objets Art déco ou du début du XXe siècle ; elles ont été faites pour être utilisées. Ce côté pratique est probablement la raison pour laquelle tant d’entre elles ont survécu. »
Notamment, le vintage est devenu un raccourci pour choisir des meubles et des luminaires de caractère, plutôt que d’opter pour la perfection. Il y a une beauté herculéenne à rechercher l’usure, la patine et les petites irrégularités. Ils témoignent de la vie antérieure d’un objet et sont plus que disposés à continuer. Comme l’explique Taton : « La plupart des pièces que nous achetons, des sièges français du milieu du siècle aux luminaires italiens, ont été produites dans de petits ateliers ou en séries limitées, souvent par des fabricants dont les noms n’étaient pas très connus à l’époque, mais dont le travail semble toujours pertinent aujourd’hui. Il y a une clarté et une retenue dans ces objets que la fabrication moderne oublie parfois. «
Quant aux antiquités, elles sont « techniquement définies comme des objets vieux de plus de cent ans, une catégorie qui comprend désormais les premiers meubles Art déco, même si ces pièces semblent souvent culturellement modernes. Au-delà de l’âge, les antiquités sont appréciées pour la qualité de leur savoir-faire, de leurs matériaux et de leur patine », ajoute Jeremy Bowker. « Je pense que les antiquités, malheureusement pour certains, sont définies par des reproductions de mauvaise qualité ou par une chambre formelle de grand-mère pleine de meubles marron à ne pas toucher et donc par le conservatisme. En revanche, le design vintage a connu une renaissance culturelle. Conçues pour la vie moderne, les pièces vintage sont généralement plus compactes, adaptables et alignées sur les modes de vie contemporains. «
« Culturellement, la différence réside moins dans les dates que dans la façon dont nous vivons avec ces objets. Ils sont collectés avec une conscience de la provenance et de la lignée. L’histoire d’abord, la fonction ensuite. Une table de ferme française du XIXe siècle ou un pot de confit sculptural porte le poids du temps ; son âge et sa provenance se font immédiatement sentir », ajoute Taton. Contrairement au vintage, qui agit comme « un point d’entrée conversationnel dans l’histoire du design. Il permet aux gens de s’engager dans le passé sans formalité ni besoin de comprendre des époques ou des mouvements spécifiques. Cela semble humain et accessible ».
Face à l’ornementation et à l’optimisme de l’Art Déco, le design vintage d’après-guerre se caractérise par la retenue. Là où Deco célébrait l’artisanat comme spectacle, les meubles de la France, de la Belgique et de l’Italie d’après-guerre – périodes que Cleo Collects revisite souvent – ont donné la priorité à la solidité, au toucher et à la fonction. Des designers tels que Guillerme et Chambron et Audoux-Minet ont conçu des chaises en chêne, des accessoires en rotin et de lourds meubles de rangement où le matériau était mis en avant et où la durabilité était valorisée – des qualités peut-être façonnées par les réalités de la reconstruction.
Dans les années 1970 et 1980, l’essor des plastiques et des nouvelles technologies a hésité, s’orientant à nouveau vers la modularité, les palettes de néon et la production de masse, témoignage de l’évolution des attitudes à l’égard de la vie et de la consommation. « Ce que je pense que ces mouvements montrent en fin de compte, c’est que le design est presque toujours une réponse. Les pièces les plus durables n’essayaient pas d’être intemporelles ; elles étaient simplement des représentations honnêtes de leur moment et de leur environnement », conclut Taton.
