Le travail de sculpture de Leigh Thompson est à couper le souffle. Inspirée par la nature, les formes figuratives et le monde qui l’entoure, l’artiste basée à Nelson plonge tête première dans le mythique et le beau.
Pouvez-vous nous parler un peu de votre parcours artistique jusqu’à présent ?
Mon parcours artistique a commencé à l’école en Nouvelle-Zélande, puis j’ai fréquenté une école d’art en Angleterre. C’est là que j’ai découvert le tissage. À mon retour en Nouvelle-Zélande avec un jeune fils, j’ai exploré les teintures naturelles, le filage et le tissage. J’ai tricoté des pulls et tissé des tapis. Plus tard, j’ai réalisé des tables avec des plateaux en mosaïque.
Qu’est-ce qui vous a attiré vers la poterie et la sculpture comme médium principal ?
Mon travail de poterie et de sculpture s’est développé en Australie, lorsqu’un petit atelier de poterie où je vivais à Noosa Heads a ouvert ses portes. Constatant que je n’aimais pas le tour de potier, j’ai demandé si je pouvais me tenir debout sur un banc. En faisant cela, j’ai pu construire des pièces en utilisant la méthode de la bobine, ce que je pratique depuis. Covid est arrivé, alors mon travail a été transféré dans ma blanchisserie et je commandais de l’argile en ligne. Enseigner par moi-même signifiait que je n’avais pas de règles, j’étais donc libre d’expérimenter. De retour en Nouvelle-Zélande, j’ai pris un logement au Kiln Studio à Nelson pendant deux mois, ce qui était merveilleux. J’ai ensuite passé un mois en résidence chez Frost & Fire à Tasman et mon travail là-bas a été cuit par Darryl Frost dans la magie de son four à briques au bois d’Anagama. Ce fut une expérience formidable.
Où cherchez-vous l’inspiration ?
Mon travail s’inspire de la nature, du débit d’eau et des formes organiques. J’incorpore également des formes figuratives. Récemment, les situations du monde sont entrées dans mon travail. Il me semble traiter et exprimer ces événements avec mes mains et mon argile. Mon jardin est aussi une source d’inspiration. Étant bordé par une réserve d’un côté et une réserve routière de l’autre, qui compte deux grands kahikatea (mâle et femelle), j’ai pu planter cinq māmākau (fougère arborescente noire) pour les rejoindre.
À quoi ressemble généralement votre démarche artistique ?
Une pièce peut changer à mesure que je travaille de bas en haut, d’une manière que je n’avais pas prévue. C’est un processus intuitif avec l’argile comme support. Souvent, je prends du recul devant une pièce et je demande : « Comment ai-je fait ça ? Lorsque je commence un nouveau travail, je passe par des étapes. Le départ est une idée que j’ai peut-être en tête ou dont j’ai dessiné un croquis. Je passe ensuite par une étape où je ne l’aime pas ou où je découvre que quelque chose ne fonctionne pas. Puis la magie opère. Je reçois un éclat de quelque chose qui prend le dessus et je travaille très vite et de manière légèrement chaotique. Puis je prends du recul et je me demande comment c’est arrivé. Mon travail sèche ensuite lentement en studio pendant quelques semaines, puis entre dans mon fidèle four d’occasion vieux de plus de 30 ans.
Les pièces sont cuites doucement en une seule cuisson longue et lente jusqu’au cône 6 (température à mi-cuisson). Cela prend environ trois jours avant que les pièces aient suffisamment refroidi pour pouvoir être retirées du four.
Vous utilisez des éléments comme la feuille d’or et la couleur avec parcimonie. Comment décidez-vous si la couleur convient ou non à la pièce ?
J’adore les argiles de différentes couleurs terreuses, alors j’en fais des barbotines d’argile. J’aime aussi les couleurs vives. Je les utilise lorsque je pense que cela exprimera ce que dit la pièce.
Y a-t-il des pièces dont vous êtes particulièrement fier ?
Quand il s’agit de mes pièces préférées, c’est difficile de choisir. J’ai tendance à aimer celui que je viens de réaliser. Après le licenciement, j’apporte souvent du travail dans la maison pour pouvoir en profiter en premier. Certaines œuvres restent dans la maison, comme mon candélabre des Trois Grottes qui se dresse devant la cheminée. Cette pièce a été inspirée par une randonnée vers les stalactites calcaires de la grotte de Rāwhiti, avec sa flore crépusculaire à Golden Bay. Les lampes que j’ai fabriquées ont également trouvé leur place dans la maison. Ils ont été construits à partir de pièces cuites à l’anagama et de mes abat-jour en raphia faits à la main.
Mon Ghost Eagle bleu a été inspiré par le pouākai (aigle de Haast) éteint de Nouvelle-Zélande. Il se tient bien dans la cour. Sur la table à manger se trouve une œuvre de ma série Fossil. L’inspiration pour la série est venue d’une autre visite à Golden Bay, cette fois à la plage de Rangihaeata et aux restes d’anciens fossiles d’une forêt de kahikatea incrustés dans la plage.
Qu’avez-vous à l’horizon pour votre art ?
Je viens de rentrer d’une visite dans le magnifique Bhoutan, je suis curieux de voir et de ressentir la suite de mon travail. Mon travail est exposé en octobre pour la Nelson Clay Week à la Gallery Nelson. L’exposition s’intitule Laissez les mains parler.
Où nos lecteurs peuvent-ils vous trouver, vous et votre travail ?
Mon travail se trouve également à la Macmillan Gallery Tasman, ou contactez-moi sur Instagram @leighclayfibre.
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